Cómo crear arte de impacto social

Este mes en Contratiempo CAMEI, estamos enfocando la relevancia artística tanto a nivel personal como a nivel social. En Concreto:

Cómo crear arte de impacto social

 

¿Qué tipo de arte te gusta crear?

¿Qué te inspira más que nada?

¿Sientes que quieres descubrir más sobre tu identidad artística y el arte te hace vibrar? 

Si es así, sigue leyendo 😉

 

O si prefieres ver un vídeo sobre este tema, puedes hacer click aquí.

Para esto, podemos pensar en 2 tipos de arte:

• El arte por el arte

• El arte por la vida

Dos conceptos totalmente diferentes del arte.

La primera se enfoca en el disfrute individual de la artista.

La segunda se enfoca en la relevancia social o colectiva.  

Las dos pueden ser relevantes en momentos puntuales.

Quizás en vez de elegir un equipo (por así decirlo), podemos pensar que necesitamos habitar en ambas en diferentes momentos – a veces creando por placer propio, y a veces conectando  con que nos apasiona más allá  de nosotras mismas para crear. Lo que creamos es al final una expresión de quienes somos, solo que lo manifestamos con nuestro arte. 

• el arte por el arte,

  es muy relevante como práctica personal, como exploración de movimiento, entrenamiento técnico, el desarrollo de tu estilo propio… ¡y  se disfruta muchísimo! Tu objetivo aquí eres TU MISMA (cómo bailas, qué sientes, qué quieres explorar….)

• el arte por la vida,

  es coger todo tu talento trabajado y ponerlo al servicio de algo que te apasiona, o algo que ves como importante para hablar a nivel social. Es decir, sientes que hablando (con el cuerpo) sobre X temática, hará que el mundo sea mejor. 

Por ejemplo:

• • Esto puede estar relacionado con la sostenibilidad y la salud del planeta,
  • puede estar relacionado con el cuidado y protección de animales
  • y puede estar vinculado cono valores sociales como la igualdad de género, identidad de genero, sexualidad, feminismo, antirracismo, desigualdad socioeconómica….. 

todas estas temáticas son relevantes socialmente en el sentido que afectan a todo el mundo de manera directa o indirecta.

Dialogar sobre estas cuestiones permite que evolucionemos como sociedad. Y el arte es una herramienta super práctica  y humana para iniciar estas conversaciones –siendo algo que todo el  mundo puede disfrutar y a la vez cuestionarse algo nuevo como resultado.  

Tu iniciativa de vincular arte+activismo para crear arte de impacto social puede ser mas concreto (quizas utilizando un texto, audiovisuales, etc.) en tu composicion o puede ser mas abstracto  (que X temática  te inspira, guia, y estructura tu composicion pero no necesariamente es evidente para la audiencia).  

 

¿Y a ti qué te  gusta crear más?

¿Arte por arte o por vida?

¿Me dejarías un comentario con que forma te gusta crear a ti? 

¡Si te ha gustado el contenido  de hoy, te  invito a suscribirte a nuestro canal de youtube (ContratiempoCAMEI) y seguirnos en las redes sociales (contratiempo_malaga) para no perderte ninguna publicación futura.

¡Hasta la siguiente!

Cómo Potenciar Tu Próxima Colaboración Artística:

[Si prefieres ver un vídeo sobre este tema, puedes hacer click aquí].

Para sacarle el máximo provecho a tu próxima colaboración artística, entender la diferencia entre lo multi e interdisciplinar te puede ayudar a:

1. Abrirte a nuevas maneras de crear, sentir y ver conceptos 
2. Conocer artistas nuevxs
3. Definir qué quieres transmitir antes de empezar a crear

Quién debería leer esta publicación:

¿Sabes que hay una diferencia entre lo multidisciplinar y lo interdisciplinar?

¿Y sabes que entender esta diferencia puede cambiar tu forma de crear y conectar con otrxs artistas? 

¡Pues esa es la temática de hoy! 

Sigue leyendo si te gustaría:

• entender la diferencia entre lo multi e interdisciplinar
• llevar tu próxima colaboración artística al siguiente nivel

 

Multidisciplinar versus Interdisciplinar

Estamos en un momento donde están floreciendo las colaboraciones artísticas. 

[De hecho, si tienes una propuesta artística que te gustaría hacer, nos la puedes enviar aquí].

¡Y es precioso ver cómo se van uniendo más las diferentes disciplinas! 

Parece que estamos cada vez más valorando los aportes originales de cada artista a la vez que aprendemos a fusionar nuestras distintas habilidades.  

Para hacer esto, entender qué nos aporta lo interdisciplinar a diferencia de lo multidisciplinar puede impulsar tu próxima colaboración artística al siguiente nivel. 

a) Lo multidisciplinar es cuando combinamos dos o más disciplinas, pero mantienen su propio estilo, estructura, formato, etc. 

Es decir, si creas algo (como un baile) en relación a otro producto artístico ya creado (como una canción), sería multidisciplinar. 

b) Lo Interdisciplinar, por otro lado, es una integración de dos o más disciplinas. Esto significa que todas las disciplinas colaboradoras crean desde cero en conjunto (como baile, música y poesía entrelazadas en el proceso de creación).

Sencillamente, lo multidisciplinar junta dos (o más) productos artísticos ya creados (pero no se adapta el proceso creativo); lo interdisciplinar significa que varias disciplinas crean en conjunto desde cero (el proceso de creación).

Aquí van algunos ejemplos para que lo puedas aplicar más fácilmente:

 

EJEMPLOS de lo Multi e Interdisciplinar:

a) Multidisciplinar: 

Para crear algo multidisciplinar, puedes elegir una obra de arte ya creada (una pintura, un poema, una canción, un videoclip…) y crear movimiento (secuencias de movimiento, una coreografía, una obra…).

b) Interdisciplinar:  

Para crear algo interdisciplinar, implica un proceso creativo integrado: donde cada disciplina crea y compone en simultáneo (a menudo empezando con improvisación). 

Por ejemplo, crear algo desde cero en conjunto con músicos y bailarinas y escritores podría empezar con:

•  improvisaciones grupales con una escucha activa a las propuestas de cada artista. 
• En base a esta improvisación, puede establecerse una estructura
• Cuando haya estructura, se puede ir puliendo hasta que esté terminado y quede limpio. 

¿Por qué es importante crear de forma interdisciplinar? 

En primer lugar, esta forma de crear te aporta otra visión y estructura de crear que no conseguirías con una sola disciplina; y esto nutre mucho.

En segundo lugar, la creación interdisciplinar desafía la división entre disciplinas (que a veces no es necesario). 

Entrenar en tu disciplina te da enfoque.

Crear en conjunto con otras disciplinas abre puertas, horizontes nuevos, ideas creativas y conexiones con artistas diferentes. 

 

Para sacarle el máximo provecho a tu próxima colaboración artística, entender la diferencia entre lo multi e interdisciplinar te puede ayudar a:

1. Abrirte a nuevas maneras de crear, sentir y ver conceptos 
2. Conocer artistas nuevxs
3. Definir qué quieres transmitir antes de empezar a crear. 

¡Eso es todo por hoy! 

¿Qué idea te ha parecido más relevante para ti? 

¿Me dejas un comentario contestando esta pregunta?

¡Te leemos! 

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¿Por qué hemos escrito esta publicación?

Si sigues nuestro trabajo desde Contratiempo CAMEI, quizás habrás notado que proponemos integración: 

1. integración de cuerpo-mente-emoción
2. integración de disciplinas y personas en formato de colaboraciones (como es el enfoque hoy) 
3. crecimiento personal e interpersonal 

Si te gusta esta propuesta de integración y te gustaría proponernos una temática para una futura publicación, ¡déjalo en los comentarios! Nos encantaría recibir tu aportación.

4 Tips para mejorar tu técnica de danza más rápido

Como bailarina, ¿te preguntas constantemente cómo puedes mejorar tu técnica de danza más rápido? 

Si es así, ¡sigue leyendo! Porque te traigo unos TIPS originales para implementar en tus clases de danza:

 

[Si prefieres ver un video sobre este tema, puedes hacer click aquí].

 

Podríamos hablar de técnicas de visualización (como hace el coaching de deporte), o de hábitos de acondicionamiento físico e incluso estiramientos de mantenimiento – y claramente todas estas nos ayudarán a evolucionar como bailarinas. 

Pero hoy quiero hablarte de algo más personal: 

 

Tu Identidad Artística

 

¿Y por qué quiero hablarte de algo tan abstracto? Pues justamente porque nuestra identidad artística se manifiesta de formas muy concretas al bailar. 

Así que primero, ¿Qué es la identidad artística y cómo nos puede ayudar a evolucionar como bailarinas? 

 

IDENTIDAD ARTÍSTICA

 

La identidad artística es quienes somos como artistas a nivel de cuerpo, mente y emoción. Con frecuencia, nos aproximamos a la danza como una práctica exclusivamente física. Y evidentemente el entrenamiento técnico es una práctica que se enfoca en nuestro cuerpo físico. 

PERO – y esto es un pero importante – si separamos nuestro cuerpo de quienes somos a nivel mental y emocional, nos perdemos muchas conexiones físicas. 

Por ejemplo: si entramos a una clase de técnica sintiendo que estamos dejando nuestra personalidad en la puerta, nos estamos aproximando a la clase desde la mera mecánica de movimiento, sin aprovechar la oportunidad de integrar toda la información corporal a nuestra esencia como artistas. Nos pone en una postura robótica en la que nos exigimos obediencia a las instrucciones que vamos a recibir; nos pone en una actitud de sumisión a el maestrx y bloqueamos nuestras sensaciones corporales y emocionales como consecuencia.

 

¿Te imaginas vivir tus clases de técnica como terapéuticas? 

¿Te imaginas experimentar crecimiento personal además de artístico en cada clase? 

¿Te imaginas cuanto más lejos (y rápido) podrías llegar a tus metas artísticas si expandes tu técnica y tu madurez artística a la vez? 

 

Si te gusta lo que te estás imaginando, sigue leyendo para descubrir 4 TIPS PRÁCTICOS para empezar a transformar tu cada clase de técnica en crecimiento personal y artístico también.

 

4 TIPS PARA MEJORAR TU TÉCNICA DE DANZA MÁS RÁPIDO:

 

1. ATENCIÓN CONSCIENTE:

Practica los ejercicios de clase poniendo ATENCIÓN CONSCIENTE en las sensaciones de tu cuerpo.

Es decir, además de concentrarte mentalmente en la memorización de la secuencia, entra en la sensación física de cada movimiento. Así estarás dando pasos hacia el desarrollo de tu estilo propio de movimiento que es CLAVE para la madurez artística. Haciendo esto, irás entendiendo cada vez más quién eres como artista, qué te inspira como creadora, y cómo subir tu autoconfianza en movimiento.

 

2. SÉ ACTIVA EN CLASE:

Evita simplemente reproducir los ejercicios que te propone el/la maestrx, e intenta INTEGRAR cada ejercicio/secuencia de movimiento a tus propias metas y objetivos físicos-mentales-emocionales. Esto es algo que siempre debes hacer antes de entrar a clase. 

Te puedes preguntar:

• ¿Qué quiero conseguir a largo plazo?
• ¿Qué me ayudaría técnicamente a llegar ahí?
• ¿Que micropaso puedo dar HOY en clase para acercarme a ello?  

 

3. RESPIRA TU MOVIMIENTO:

Aunque es importante respirar para calmar las emociones, en esta ocasión no me refiero a eso. Me refiero a respirar (profundamente) en coordinación con cada movimiento para profundizar, expandir, afianzar y disfrutar cada ejercicio. Esto hace que mejore:

• Tu lógica de movimiento en tu propio cuerpo (coordinación, precisión, musicalidad)
• Tu disfrute del movimiento más 
• Tu presencia y autoridad artística en el espacio físico y metafísico

 

4. IMAGINA TU KINESFERA:

Imagina  (o visualiza) que el espacio que te rodea (tu kinesfera) está vivo, dinámico y que es un partícipe activo de tu movimiento. Es decir, amplía tu conciencia de movimiento más allá de tu cuerpo, imaginando cómo tu cada movimiento mueve el aire y crea líneas en el espacio que te rodea. 

Si eres una persona muy visual, puedes imaginar que tienes pinceles de pintura en tus dedos de las manos y los pies, en tu sacro, cabeza, pelvis y torso. Así, al finalizar la secuencia, el espacio que te rodea acabará siendo una obra de arte colorida y el espacio quedará visualmente dinamizado con tu energía. 

AHORA TOCA IMPLEMENTARLO (UN PASO A LA VEZ):

 

Si empiezas a bailar en cada clase de técnica integrando al menos unos de estos 4 TIPS para mejorar tu técnica de danza más rápido, te aseguro que empezarás a experimentar más VIDA, más COLOR, más SENSACIÓN en tu cuerpo. 

Esta experiencia te llevará a entenderte a ti misma como un cuerpo, una mente y un espíritu emocional como una misma esencia: creativa, talentosa, autoconfiada y firme en quién eres y qué quieres conseguir como artista. 

¿Te ha inspirado lo que has leído? 

Espero que sí y me encantaría leer un comentario tuyo con qué TIP te gustaría empezar a implementar en tu próxima clase. 

¿Te animas a dejar un comentario?

¡Me encantará leerte!

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