Cómo crear arte de impacto social

Este mes en Contratiempo CAMEI, estamos enfocando la relevancia artística tanto a nivel personal como a nivel social. En Concreto:

Cómo crear arte de impacto social

 

¿Qué tipo de arte te gusta crear?

¿Qué te inspira más que nada?

¿Sientes que quieres descubrir más sobre tu identidad artística y el arte te hace vibrar? 

Si es así, sigue leyendo 😉

 

O si prefieres ver un vídeo sobre este tema, puedes hacer click aquí.

Para esto, podemos pensar en 2 tipos de arte:

• El arte por el arte

• El arte por la vida

Dos conceptos totalmente diferentes del arte.

La primera se enfoca en el disfrute individual de la artista.

La segunda se enfoca en la relevancia social o colectiva.  

Las dos pueden ser relevantes en momentos puntuales.

Quizás en vez de elegir un equipo (por así decirlo), podemos pensar que necesitamos habitar en ambas en diferentes momentos – a veces creando por placer propio, y a veces conectando  con que nos apasiona más allá  de nosotras mismas para crear. Lo que creamos es al final una expresión de quienes somos, solo que lo manifestamos con nuestro arte. 

• el arte por el arte,

  es muy relevante como práctica personal, como exploración de movimiento, entrenamiento técnico, el desarrollo de tu estilo propio… ¡y  se disfruta muchísimo! Tu objetivo aquí eres TU MISMA (cómo bailas, qué sientes, qué quieres explorar….)

• el arte por la vida,

  es coger todo tu talento trabajado y ponerlo al servicio de algo que te apasiona, o algo que ves como importante para hablar a nivel social. Es decir, sientes que hablando (con el cuerpo) sobre X temática, hará que el mundo sea mejor. 

Por ejemplo:

• • Esto puede estar relacionado con la sostenibilidad y la salud del planeta,
  • puede estar relacionado con el cuidado y protección de animales
  • y puede estar vinculado cono valores sociales como la igualdad de género, identidad de genero, sexualidad, feminismo, antirracismo, desigualdad socioeconómica….. 

todas estas temáticas son relevantes socialmente en el sentido que afectan a todo el mundo de manera directa o indirecta.

Dialogar sobre estas cuestiones permite que evolucionemos como sociedad. Y el arte es una herramienta super práctica  y humana para iniciar estas conversaciones –siendo algo que todo el  mundo puede disfrutar y a la vez cuestionarse algo nuevo como resultado.  

Tu iniciativa de vincular arte+activismo para crear arte de impacto social puede ser mas concreto (quizas utilizando un texto, audiovisuales, etc.) en tu composicion o puede ser mas abstracto  (que X temática  te inspira, guia, y estructura tu composicion pero no necesariamente es evidente para la audiencia).  

 

¿Y a ti qué te  gusta crear más?

¿Arte por arte o por vida?

¿Me dejarías un comentario con que forma te gusta crear a ti? 

¡Si te ha gustado el contenido  de hoy, te  invito a suscribirte a nuestro canal de youtube (ContratiempoCAMEI) y seguirnos en las redes sociales (contratiempo_malaga) para no perderte ninguna publicación futura.

¡Hasta la siguiente!

Cómo Potenciar Tu Próxima Colaboración Artística:

[Si prefieres ver un vídeo sobre este tema, puedes hacer click aquí].

Para sacarle el máximo provecho a tu próxima colaboración artística, entender la diferencia entre lo multi e interdisciplinar te puede ayudar a:

1. Abrirte a nuevas maneras de crear, sentir y ver conceptos 
2. Conocer artistas nuevxs
3. Definir qué quieres transmitir antes de empezar a crear

Quién debería leer esta publicación:

¿Sabes que hay una diferencia entre lo multidisciplinar y lo interdisciplinar?

¿Y sabes que entender esta diferencia puede cambiar tu forma de crear y conectar con otrxs artistas? 

¡Pues esa es la temática de hoy! 

Sigue leyendo si te gustaría:

• entender la diferencia entre lo multi e interdisciplinar
• llevar tu próxima colaboración artística al siguiente nivel

 

Multidisciplinar versus Interdisciplinar

Estamos en un momento donde están floreciendo las colaboraciones artísticas. 

[De hecho, si tienes una propuesta artística que te gustaría hacer, nos la puedes enviar aquí].

¡Y es precioso ver cómo se van uniendo más las diferentes disciplinas! 

Parece que estamos cada vez más valorando los aportes originales de cada artista a la vez que aprendemos a fusionar nuestras distintas habilidades.  

Para hacer esto, entender qué nos aporta lo interdisciplinar a diferencia de lo multidisciplinar puede impulsar tu próxima colaboración artística al siguiente nivel. 

a) Lo multidisciplinar es cuando combinamos dos o más disciplinas, pero mantienen su propio estilo, estructura, formato, etc. 

Es decir, si creas algo (como un baile) en relación a otro producto artístico ya creado (como una canción), sería multidisciplinar. 

b) Lo Interdisciplinar, por otro lado, es una integración de dos o más disciplinas. Esto significa que todas las disciplinas colaboradoras crean desde cero en conjunto (como baile, música y poesía entrelazadas en el proceso de creación).

Sencillamente, lo multidisciplinar junta dos (o más) productos artísticos ya creados (pero no se adapta el proceso creativo); lo interdisciplinar significa que varias disciplinas crean en conjunto desde cero (el proceso de creación).

Aquí van algunos ejemplos para que lo puedas aplicar más fácilmente:

 

EJEMPLOS de lo Multi e Interdisciplinar:

a) Multidisciplinar: 

Para crear algo multidisciplinar, puedes elegir una obra de arte ya creada (una pintura, un poema, una canción, un videoclip…) y crear movimiento (secuencias de movimiento, una coreografía, una obra…).

b) Interdisciplinar:  

Para crear algo interdisciplinar, implica un proceso creativo integrado: donde cada disciplina crea y compone en simultáneo (a menudo empezando con improvisación). 

Por ejemplo, crear algo desde cero en conjunto con músicos y bailarinas y escritores podría empezar con:

•  improvisaciones grupales con una escucha activa a las propuestas de cada artista. 
• En base a esta improvisación, puede establecerse una estructura
• Cuando haya estructura, se puede ir puliendo hasta que esté terminado y quede limpio. 

¿Por qué es importante crear de forma interdisciplinar? 

En primer lugar, esta forma de crear te aporta otra visión y estructura de crear que no conseguirías con una sola disciplina; y esto nutre mucho.

En segundo lugar, la creación interdisciplinar desafía la división entre disciplinas (que a veces no es necesario). 

Entrenar en tu disciplina te da enfoque.

Crear en conjunto con otras disciplinas abre puertas, horizontes nuevos, ideas creativas y conexiones con artistas diferentes. 

 

Para sacarle el máximo provecho a tu próxima colaboración artística, entender la diferencia entre lo multi e interdisciplinar te puede ayudar a:

1. Abrirte a nuevas maneras de crear, sentir y ver conceptos 
2. Conocer artistas nuevxs
3. Definir qué quieres transmitir antes de empezar a crear. 

¡Eso es todo por hoy! 

¿Qué idea te ha parecido más relevante para ti? 

¿Me dejas un comentario contestando esta pregunta?

¡Te leemos! 

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¿Por qué hemos escrito esta publicación?

Si sigues nuestro trabajo desde Contratiempo CAMEI, quizás habrás notado que proponemos integración: 

1. integración de cuerpo-mente-emoción
2. integración de disciplinas y personas en formato de colaboraciones (como es el enfoque hoy) 
3. crecimiento personal e interpersonal 

Si te gusta esta propuesta de integración y te gustaría proponernos una temática para una futura publicación, ¡déjalo en los comentarios! Nos encantaría recibir tu aportación.

Cuerpo-Mente-Emoción como una única identidad

 

Solemos relegar nuestro cuerpo a un segundo plano

Con frecuencia tratamos a nuestro cuerpo como un vehículo para nuestra mente. Tratamos al cuerpo como si no tuviera mucha importancia más allá de lo que nos facilita hacer intelectualmente (como la digestión que nos permite comer y tener energía para pensar, etc.). Es decir, no tratamos nuestro cuerpo-mente-emoción como una única identidad. 

La realidad es que nuestro cuerpo no está separado de nuestra vida mental ni emocional, aunque sí es cierto que muchos aspectos de nuestra sociedad divide nuestra experiencia en una rivalidad entre la mente, el cuerpo y las emociones. Por esto, en líneas generales, no es apropiado ponerte a estirar en medio de una oficina ni se considera aceptable llorar en mitad de la calle, por ejemplo. 

Socialmente hemos dividido y asignado espacios específicos para nuestra parte mental/intelectual, otros espacios para nuestra parte física/corporal y otros para nuestra parte emocional. Por esto integrar nuestra identidad de cuerpo-mente-emoción como una sola es todo un aprendizaje. 

El hecho de que vivamos nuestras vidas de forma segmentada a nivel de cuerpo-mente-emoción es una adaptación a la sociedad que nos rodea. No tenemos la culpa de habernos adaptado (al contrario, es necesario adaptarse). Pero esta adaptación no significa que no podamos reconocer y aprender una nueva forma más sana de manifestar nuestra identidad y también adaptarnos a las normas sociales de cada espacio. 

Nuestra identidad no está dividida en cuerpo vs mente vs emociones

Podemos comprobar que nuestra identidad es tanto mental como corporal y emocional por como estas nos identifican y por como están entrelazadas. 

Por ejemplo: si estás pensando en algo que te da ansiedad y tu corazón empieza a latir con más intensidad, tanto tu mente (el pensamiento) como tus emociones (la ansiedad) como tu cuerpo (tu corazón) están sincronizados. 

O por ejemplo: si piensas en algo que te hace reir y te ríes en voz alta, vemos que está sincronizada tu mente (el pensamiento) con tus emociones (la alegría) y tu cuerpo (la risa física). Pero también podemos ver como esto define TU identidad y no la de otra persona, ya que lo que te hace reir es único y no será lo mismo para otras personas.  

Por tanto, nuestro cuerpo-mente-emoción forma parte de una única identidad aunque la segmentamos en momentos y espacios concretos por normas sociales. 

¿Cómo podemos vivir nuestro día a día con conciencia corporal?

1. El primer paso es reconocer la profundidad del cuerpo

Nuestro cuerpo no es solo un vehículo para la mente sino

• un baúl de recuerdos
• un espejo de nuestro estado de ánimo y salud
• una ventana a nuestros pensamientos más sinceros
• una fuente profunda de información
• una fuente profunda de sensaciones
• una fuente profunda de capacidad perceptiva
• una fuente profunda de valores
• una vía práctica de expresión de nuestras múltiples identidades (como mujeres/hombres, madres/padres, hijxs, amigxs, profesionales…).

Cuanto antes podamos reconocer esto, antes podremos elevar nuestra nuestra calidad de vida.

2. El segundo paso es ponerlo en práctica (TIPS):

Podemos entender que nuestro cuerpo-mente-emoción forma parte de nuestra misma identidad. Entendiendo esto, la integración de estos segmentos de nuestra identidad es vital. Ahora, esto no significa que no nos podemos adaptar a distintos espacios (por ejemplo si en tu espacio de trabajo no es aceptable estirar tu cuerpo, quizás puedes estirar al llegar a tu casa). La conciencia de tu cuerpo nunca será un impedimento. Al contrario, siempre podrás decidir cuánto espacio darle al cuerpo y en qué momentos, pero esto solo es posible si tienes conciencia de tu cuerpo y tu estado de salud en general. 

Así que aquí van algunos TIPS que puedes probar para expandir tu conciencia corporal e integrar tu identidad a nivel de cuerpo-mente-emoción:

1. Mindfulness  – poner atención consciente a tu cuerpo mientras haces tus actividades diarias (caminar, comer, bailar…)

2.  Despertando sensaciones en el cuerpo – cuantas más sensaciones experimentamos y vivimos en nuestro cuerpo, más importancia y espacio ocupa en nuestra conciencia. 

   • Un ejemplo práctico es la danza: mientras bailas activas el cuerpo, la mente y las emociones de una manera interconectada y te vas dando cuenta que es una fuente infinita de información y sensación. Cuanto más exploras más descubres dentro de ti misma, y esto es una manera muy práctica de vivir desde el cuerpo. 
   • Otro ejemplo es pasar tiempo en la naturaleza: sintiendo aire, agua, sol, tierra en tu piel y dejando que estas sensaciones físicas te hagan liberar emociones. 
   • Otro ejemplo podría ser cocinar. Mientras te enfocas en olores, colores, sonidos, temperaturas… la mente racional coopera con las sensaciones del cuerpo y te permite vivir esta parte de tu vida cotidiana desde tu cuerpo-mente-emoción integrada. 

1.  

2. Meditación y Respiraciones Conscientes – Meditando y respirando profundamente y conscientemente primero nos ayuda a tomar control del momento presente y a la vez relegar control del pasado, presente y futuro. Por otro lado, nos hace conscientes y nos llena de agradecimiento por nuestro cuerpo (las funciones que cumple automáticamente, las sensaciones que nos permite sentir, las actividades que nos facilita hacer, la capacidad de adaptación a nuevas circunstancias que tiene…). Integrando un hábito de meditación y/o respiración consciente puede ser una muy buena manera de integrar tu cuerpo a tu identidad como persona.

¿Cuál crees que te funcionaría mejor a ti? ¿Te animas a poner en práctica alguno de estos ejemplos para integrar tu cuerpo-mente-emoción este año? 

Nos encantaría escuchar que te ha parecido esta publicación. 

¿Nos dejarías un comentario con qué parte te ha parecido más útil o interesante? 

¡Nos vemos en la siguiente publicación! 

Cómo elevar tu energía en 2022

4 características del capitalismo que influyen en tu danza: 

Esta publicación es para bailarinas (y bailarines) que buscan ser profesionales y/o quieren expandir su conciencia artística. 

¿Cómo te beneficiará leer esta publicación?

• Te ayudará a entender el contexto dentro del cual nos movemos, como artistas y como personas
• Te ayudará a entender que las expectativas para artistas (en un mundo cada vez mas complejo) no se limita al talento sino que también requiere propuestas creativas relevantes —que deben ser informadas por una conciencia artística que entiende el panorama y los vacíos que necesitan atención creativa 
• Te ayudará a reconocer oportunidades profesionales ideales para ti — como bailarina y como creadora 
• Te ayudará a ser consciente de cómo funciona tu entorno y cómo lo puedes navegar —con una mente crítica además de un cuerpo preparado para bailar profesionalmente

¿Te sorprende leer que hay una relación entre la danza y el capitalismo? 

Si te sorprende leer que hay una relación entre la danza y el capitalismo, ¡seguro que no eres la única! Es algo que se habla relativamente poco y que es importante entender como artista.

Aunque quizás suene lógico decir, la danza responde a las leyes del capitalismo como todo lo que existe dentro de nuestro sistema mundo. Por eso, en esta publicación quiero mirar 4 características del capitalismo que influyen en tu danza y cómo las puedes utilizar a tu ventaja al igual que trascender sus limitaciones. 

De ahí, te dejare decidir por ti misma si ves la danza y el capitalismo como una rivalidad o una colaboración. ¡Y me encantaría leer tu conclusión en los comentarios al final!

¿QUÉ ES EL CAPITALISMO? 4 características del capitalismo que influyen en tu danza:

¡Empecemos por la base! El capitalismo, como sabrás, es nuestro sistema mundo corriente propuesto por Karl Marx, junto a Max Weber y Friedrich Engels. (Si quieres, puedes leer mas sobre el capitalismo y la propuesta de Marx aquí).

En esencia, el capitalismo es un sistema económico y político mundial que tiene una serie de características. En concreto, 4 de estas características del capitalismo son particularmente relevantes para tu conciencia artística: 

1. Capital (dinero) y las clases socioeconómicas que provoca: 

• • Bajo el capitalismo se crean clases socioeconómicas específicas, que significa que el acceso a la formación artística es exclusivo. El capitalismo es jerárquico (como una pirámide), que significa que algo tiene valor justamente porque no lo puede tener todo el mundo. En líneas generales, esto significa que solo aquellas personas con suficiente capital económico (que se acumula generacionalmente y no depende solamente de 1 persona) pueden acceder a la formación artística privada. 
  • Frecuentemente pensamos que el éxito viene por mérito propio (meritocracia) cuando en realidad hay una red de factores que contribuye a nuestro éxito individual; una de estas es la clase socioeconómica de nuestras familias y sus antepasados. Tener todos los factores que han propulsado nuestra formación nos hace personas mas agradecidas y conscientes: dos ingredientes claves para la creatividad. 

2.  Énfasis en la propiedad privada (privatización del arte):

• • Bajo el capitalismo, la propiedad es privada. Con esto, hablamos de propiedad física (como una casa, un coche, un lápiz…), de propiedad intelectual (ideas, productos, creaciones), y (más implícitamente) de propiedad emocional (mi pareja, mi mascota…). En este sentido, podemos ver la privatización del arte en programas de formación artística, espectáculos de pago, música patentada, etc. 
  • Parece que en muchos sentidos esta definición es el antítesis de lo que busca el arte. El arte busca expresar, crear, compartir con generosidad, construir comunidad e impactar su entorno (esperemos que positivamente). Sin embargo, todo tiene que moldearse al sistema económico que tenemos, ¡y no tiene nada de malo monetizar el arte necesariamente! El problema es cuando vemos las siguientes dos características entrometerse demasiado…: 

3. El individualismo

• • • El individualismo tiene ver con relacionarnos con el mundo (y el arte) desde “yo” en lugar de “nosotrxs”. En danzas académicas (danzas desarrolladas en un estudio de danza en lugar de la calle) hay un enfoque en la individualidad de la bailarina —su técnica, voz creativa, calidad de movimiento, capacidad de memorización…— sobre la colectividad. Por supuesto que a la hora de crear/aprender coreografía en grupo, la colectividad se vuelve importante por estética, pero esto es una excepción al entrenamiento rutinario. 
  • •Esto nos lleva a pensar que nuestro éxito es meritocrático (basado en puro esfuerzo individual) sin considerar la red de factores que influyen en el éxito de alguien: 
    • • como en qué parte del mundo ha nacido
      • qué recursos económicos tiene su familia 
      • con qué mentalidades y creencias se ha criado
      • qué cuerpo tiene (a nivel racial, a nivel de delgadez, a nivel de musculatura y salud general…)
  • •Es decir, el concepto de la meritocracia es bastante engañosa y está muy inculcada en nuestra forma de pensar y de interactuar con el movimiento. Está claro que siempre debemos entregar nuestro máximo esfuerzo a lo que hacemos; tener una conciencia de los muchos otros factores que nos influyen es complementario a este esfuerzo. Identificando qué cualidades potencian tu esfuerzo y cuales limitan tu esfuerzo es un buen comienzo, por ejemplo identificando que la piel blanca/Europea presenta una ventaja en relación a tus esfuerzos cotidianos.

4. Competencia:

• • La competencia es una característica importante del capitalismo; propone que todo lo que hace una persona individual debe ser con la esperanza de hacerlo mejor que su competencia y así ser premiada y escalar su calidad de vida. En la danza vemos este concepto también en que la idea del éxito para una bailarina viene de ser la solista / “mejor” que las artistas que le rodean. 
  • ¿Pero esta es la única manera de medir el éxito? ¿Estar en el pico de la pirámide en aislamiento de las personas en la base de la pirámide? Si es así, ¡has nacido en el momento histórico correcto! Pero indudablemente no es la única forma de medir el éxito, ya que depende de cuales sean nuestros valores. Si valoramos la comunidad y la realización humana además de la excelencia técnica, quizás podríamos entender el éxito de otras maneras menos competitivas y que aspiran a la misma calidad artística. Por ejemplo: ¿Qué impactos sociales resultan de un proyecto creativo? ¿Resulta en vitalidad y comunidad o mas bien ansiedad, depresión y aislamiento?

Enfocar aspectos colectivos como métrica del éxito marca un contraste absoluto con el individualismo y la competencia, ¿no crees? Y si eres bailarina seguramente puedes reconocer algunas de estar características del capitalismo dentro de la filosofía de enseñanza en estudios de danza… En otras palabras, nuestra práctica artística responde a las reglas del capitalismo como todo lo que existe bajo este sistema económico. 

PERO:

¿Esto es algo “malo”? ¿O “bueno”? ¿O una mezcla de las dos?

Como he mencionado, esto dependerá de tus valores personales, pero para contestar esta pregunta con mas detalle, vamos a considerar el Experimento de Milgram: 

¿QUÉ ES EL EXPERIMENTO MILGRAM?

En esencia, el experimento (del psicólogo Stanley Milgram) explora la obediencia en relación a la autoridad y cómo los valores éticos de las personas se pueden desintegrar bajo órdenes de una figura autoritaria. 

Los sujetos del experimento pensaban que el estudio se trataba de la memoria y el aprendizaje, donde ponían a un sujeto en el rol de maestro y otro en el rol de estudiante. 

Cuando un estudiante daba una respuesta errónea, el maestro debía darle una descarga eléctrica desde 15 hasta 450 voltios (una intensidad que puede provocar hasta la muerte). 

Resultados: 

A pesar de la angustia de los maestros, “el 65% de los sujetos llegó hasta el final, inclusive cuando en algunas grabaciones el sujeto se quejaba de tener problemas cardíacos.”

Algunas conclusiones de Milgram relevantes a esta publicación:

Este experimento saca conclusiones en torno a la proximidad física: 

1. Los sujetos fueron más obedientes cuanto menos contacto tuvieron con la víctima y cuanto más lejos se hallaban físicamente del estudiante. 

¡Esto es fascinante! En otras palabras, este experimento vio que cuanto más contacto físico había entre el maestro y el estudiante, más empatía tenía el maestro por el estudiante (y menos disposición tenía para darle una carga eléctrica mortal). 

Esto nos enseña que la danza, y el arte mas ampliamente, provee una conexión humana/física crucial para anclar nuestros valores éticos y expandir nuestra conciencia social. 

¡Qué privilegio es ser parte de un ámbito que no solo nos da salud física, mental y emocional sino que también nos ofrece salud social y sensibilidad humana!

Por otro lado, este experimento saca conclusiones acerca de la seguridad en una misma:

2. A mayor formación académica, menor intimidación produce la autoridad, por lo que hay disminución de la obediencia y mayor coherencia con valores éticos personales. 

¡Esto también es fascinante! Cuanta más educación tenemos, más seguridad tenemos en nuestros propios valores y formas de pensar, vivir e interactuar con el mundo. 

Entonces, del experimento de Milgram podemos aprende que: 

• Nuestros valores humanos son mas frágiles de lo que nos gustaría pensar (y por eso es tan importante cuidar nuestra conciencia en contextos grupales que guíen y estimulen nuestros proyectos de vida)
• Cuanto más desarrollado este nuestra inteligencia (mental-corporal-emocional), menos dispuestas estamos a sacrificar nuestros valores (y al exteriorizar nuestros valores en comunidad le damos anclaje). 
• El contacto físico expande nuestra sensibilidad humana hacia otras personas, contextos, mentalidades… en contraste con tener ideas abstractas de personas diferentes a nosotras.  

Visto de esta manera, la danza nos ofrece la posibilidad de integrar nuestra mente-cuerpo-emoción, afianzar nuestros valores sociales en base a la expresión artística y construir una comunidad que potencie esos valores en nuestro entorno social.   

¡Por todo esto existe Contratiempo! 

Valoramos el pensamiento crítico, porque vemos que la inteligencia corporal, mental y emocional trabajan en equipo. ¡Y qué bonito es que la formación artística nos de la oportunidad de desarrollar nuestra sensibilidad humana, pensamiento crítico, inteligencia corporal y salud física-mental-emocional-social todo en una misma práctica! 

—Así que ya sabes, si estabas dudando del valor de tu practica artística, ¡en esta publicación hay unas muy buenas razones por las que seguir!— 

Lo que quiero resaltar aquí es la importancia de tanto la seguridad en tu identidad individual como en tu identidad como miembro de un colectivo. Cuando tienes valores claros a nivel individual y comienzas a compartirlos en un contexto grupal, tiene el efecto de anclar tus valores y además fortalecer los valores del grupo en consecuencia. De aquí sale el lema de Contratiempo:

“Nosotrxs creamos la cultura que queremos ver”

La cultura que queremos crear en Contratiempo es: 

• una cultura que estimula la seguridad en tí misma y también tu seguridad en la comunidad
• una cultura donde tu voz individual tiene valor y que lo que tienes para contribuir es oxígeno para el colectivo
• una cultura que crece y profundiza gracias a cada persona que colabora
• una cultura donde las diferencias entre cada artista es menos importante que los puntos de conexión y como esto da lugar a una relación simbiótica entre lo individual y lo colectivo

Es decir, no queremos un ambiente donde una bailarina sea simplemente un instrumento para manifestar las ideas de un coreógrafo. ¡Todo lo contrario! Cada artista tiene la capacidad y la responsabilidad de compartir sus propias ideas, impulsos, propuestas… y así desarrollar sus capacidades y por ende fortalecer el colectivo que tanto nos nutre individualmente. 

¿COMO RESPONDE CONTRATIEMPO A LA INFLUENCIA DEL CAPITALISMO? 

Hemos mirado 4 características del capitalismo que afectan tu práctica artística: 

1. El capital y las clases socioeconómicas que provoca 
   • (formación condicionada por solvencia económica)

2. La propiedad privada 

1. • (que en el arte puede llevar a actitudes meritocráticas, incluso posesivas)

3. El individualismo y el consecuente estilo de vida jerárquico (piramidal) 

1. • (en lugar de aprender de manera horizontal y crear profundas conexiones humanas)

4. La competencia 

1. • (que margina la comunidad de las metas del día a día)

En Contratiempo entendemos que el arte y el capitalismo se contradicen en varios aspectos —como en el enfoque comunitario/individual, competitivo/generoso, “yo” versus “nosotrxs”. 

Sin embargo, también entendemos que estamos en un mundo capitalista donde es necesario generar capital para vivir. 

Entonces, para crear un puente entre estas contradicciones, en Contratiempo nos hemos comprometido a las siguientes 3 iniciativas:

1. Ofrecer clases abiertas (gratuitas) para quien quiera/necesite bailar sin preocuparse del presupuesto
2. Ofrecer 2 becas medias cada año para bailarinxs de bajo ingreso 
3. Ofrecer grupos de lectura para expandir nuestra conciencia socio-política mediante la lectura, el debate y la reflexión.  

CONCLUSIÓN

En conclusión, el capitalismo es el sistema mundo que nos rodea por lo que es inevitable que condicione nuestras metas y filosofías de vida hasta un cierto punto. Incluso podemos ver ciertos aspectos como una ventaja (por ejemplo que nos empuje a llegar a nuestro máximo potencial). 

Sin embargo, impone también una serie de limitaciones a nuestro desarrollo humano que justamente tu práctica artística puede confrontar. ¡Y qué bonito es poder ser parte de una disciplina que busca expandir nuestra humanidad, conciencia y salud (social, física, mental, emocional, espiritual…)! 

¿Y tú?

¿Y tú qué piensas de todo esto? 

¿Crees que hay una rivalidad o una colaboración entre la danza y el capitalismo?

¿Te sientes parte de una comunidad artística que busca tu bienestar individual y comunitario? 

¿Estás de acuerdo o en desacuerdo con lo que has leído aquí? 

¡Me encantaría escuchar que te ha hecho pensar y sentir esta publicación! 

¿Dejarías un comentario? 

¡Te leo!